Más críticas | Estrenos de cine | Por J. Valer

El británico Richard Eyre, formado en trabajos televisivos, se ha hecho con un cierto prestigio adaptando novelas que tocan temas complicados, con su ópera prima, el biopic Iris, obtuvo una buena carta de presentación y hasta la fecha su mejor película, y años después repitió la misma fórmula con Diario de un escándalo.

Su retorno a las pantallas vuelve a ser una adaptación literaria, en este caso un relato del novelista alemán Bernhard Schlink (El lector), pero el resultado no acompaña las expectativas generadas haciendo de Crónica de un engaño una fallida película que no se sostiene por ningún lado.

El problema principal está un guión mal resuelto que adapta un relato corto, y también en tocar el manido tema del triángulo amoroso sin aportar nada nuevo en una historia donde un hombre se dispone a buscar al amante de su esposa cuando ella ha desaparecido.

En ningún momento Eyre es capaz de encontrar la atención del espectador, por un lado la trama resulta previsible ( a pesar de jugar con el factor del giro sorpresa) y por otro no es capaz de encontrar ni el ritmo ni la forma para contar la historia perdiéndose en continuas metáforas, y en un planteamiento que resulta engañoso tanteando distintos géneros haciendo un  ejercicio que ni encuentra el punto dramático ni tiene los elementos suficientes para ser, por lo menos, un correcto thriller.

Ante este planteamiento, ni el mejor plantel de actores es capaz de levantar el vuelo de lo que hace aguas, de nada le sirve su buen hacer a Liam Neeson (Taken) ni a la siempre espléndida Laura Linney (La familia Savages), y mucho menos a un Antonio Banderas que se limita a  hacer lo que puede con un flojo y desaprovechado personaje.

Sólo queda entonces disfrutar de la breve presencia de Ramola Garai (Expiación) mientras le llega el papel que necesita para dar el salto definitivo que deje ver a una actriz que promete mucho.

Más críticas | Estrenos de cine | Por J. Valer

Kick-Ass sólo se puede definir como una auténtica sorpresa que tendrá adeptos y detractores, pero por encima de todo eso queda una gran película de entretenimiento, dirigida únicamente al público adulto, donde la acción y el drama-cómico encuentran el equilibrio perfecto.

Adaptando el cómic de Mark Millar, la historia gira en torno a un estudiante de instituto seguidor de cómics que decide crear su propio personaje (Kick-Ass) para luchar contra el mal, y gracias a las tecnologías y a la casualidad se cruza con otros supuestos superhéroes (Big Daddy y Hit-Girl) que buscan vengarse de un mafioso local.

El británico Matthew Vaughn, que destacó con títulos como Layer Cake. Crimen organizado o Stardust, se arriesga con un film que comienza como si fuese una gamberra parodia juvenil sobre el mundo del cómic y sus fans, pero que con talento da paso a un trepidante y osado ejercicio sobre justicieros con máscara.

No le faltan altas y gratuitas dosis de violencia, pero debe entenderse como una ingeniosa propuesta que roza la provocación en una época en que las historia de superhéroes se han convertido sólo en una franquicia de hacer dinero, y donde se agradece una historia diferente, divertida y, sobre todo, perfectamente rematada con una impecable factura técnica.

Para completar un resultado redondo de una película que ganará con el tiempo, nada mejor que una más que atractiva banda sonora, y un reparto perfecto al que no le faltan estrellas, como un comedido Nicolas Cage o el cada vez más emergente y magnético Mark Strong (Sherlock Holmes), y donde sobre todo destacan aguantando todo el peso del film: Aaron Johnson (El mejor) y la niña Chloe Moretz (500 días juntos).

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El ecuatoriano Sebastián Cordero (Crónicas) se revela como un sólido cineasta en su nuevo film Rabia, el primero que rueda en España adaptando la novela homónima del argentino Sergio Bizzio.

La historia arranca mostrando la vida de una pareja de emigrantes sudamericanos que comienzan a conocerse, él trabaja en la construcción y un fatídico accidente acaba con la muerte de su capataz, lo que le lleva a ocultarse en la casa donde trabaja como empleada del hogar su novia.

Difícil de clasificar, el film se mueve entre el drama social y el thriller mostrando una intensa historia de amor que hace de Rabia un angustioso ejercicio donde Cordero desarrolla todo su talento envolviendo al espectador en un mundo cada vez más cerrado y cercano a un film de terror.

El punto de partida, con un impresionante prólogo que asienta las bases de lo que se va a ver, no puede ser más acertado, sí a eso se suma una eficaz y conseguida puesta en escena, un perfecto planteamiento de los personajes con la ajustada descripción de los dos mundos que presenta y el buen hacer de su director y su estupendo pulso narrativo, todo debería funcionar a la perfección, pero no es así.

El problema está en la segunda mitad del metraje, donde la historia parece que no da más de sí y  se va desinflando poco a poco perdiendo toda la fuerza que contenía el film, y que no consigue suplir un reparto entregado encabezado por el mexicano Gustavo Sánchez Parra, espléndido en su papel, y por la emergente Martina García (Perder es cuestión de método), perfectamente secundados por Concha Velasco, Xavier Elorriaga (Tesis) o Álex Bredemühl (Yo).

Rabia inevitablemente deja una sensación agridulce, y eso no sería posible si no contuviese un gran potencial en su propuesta y en los ojos que la dirigen.

 Rabia consiguió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Tokio y la Biznaga de Oro en la última edición del Festival de Málaga, donde además ganó el premio a la mejor fotografía y  el mejor actor de reparto (Álex Bredemühl).

Madrid.- La segunda parte de la versión cinematográfica de la popular serie de televisión “Sexo en Nueva York” trae, de nuevo las aventuras de Carrie (Sarah Jessica Parker), Samantha (Kim Cattrall), Charlotte (Kristin Davis) yMiranda (Cynthia Nixon), que vuelven a darle otro bocado a La Gran Manzana – y más allá– continuando con sus agitadas vidas y amores en una nueva entrega realmente deslumbrante.

Sexo en Nueva York 2 está dirigida por Michael Patrick King, basada en su propio guión, y en la serie de televisión creada por Darren Star, con los personajes de la novela de Candace Bushnell.

El argumento gira en torno a este grupo de amigas, cuyas vidas resultan ser todo lo que han soñado pero no sería Sexo en Nueva York si no nos brindara algunas sorpresas…en esta ocasión en forma de una aventura glamurosa y soleada que, a toda prisa, lleva a las mujeres lejos de Nueva York a uno de los lugares más lujosos, exóticos, y vibrantes de la tierra, a un lugar donde la fiesta nunca acaba y hay algo misterioso esperando a la vuelta de cada esquina.

Es una huída que llega en el momento oportuno para las cuatro amigas, que se encuentran inmersas –y rebelándose– contra los papeles tradicionales del matrimonio, la maternidad y todo lo demás.

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Poco a poco, y a falta quizás del favor masivo del público, el cineasta James Gray con apenas cuatro títulos en su filmografía se perfila como uno de los directores estrella del nuevo cine americano. Su última película Two lovers, que llega a los cines con dos años de retraso, supone un giro de registro ante sus predecesoras (La noche es nuestra o La otra cara del crimen), aunque su estilo sigue intacto y nos sigue hablando de la misma temática.

Two lovers presenta a un joven con problemas emocionales en tratamiento después de un intento de suicidio, que ha vuelto a la casa de sus padres para intentar recuperarse sin mucho éxito hasta el momento en que aparecen dos nuevas mujeres en su vida: una enigmática vecina y la hija del socio de su padre.

Siguiendo los parámetros de un esquema clásico, Gray da la vuelta a la historia sorprendiendo al espectador y haciendo un gran drama romántico sin romanticismo, donde los personajes se desviven por la búsqueda del amor en un ambiente pesimista, lleno de dureza y triste encaminado al desengaño.

Rodada con talento y elegancia, y con un guión que juega perfectamente con la dualidad del personaje y con las opciones antagónicas que representan los dos personajes femeninos, James Gray se acerca a la perfección con un contenido ejercicio de estilo, al que hay que sumar la brutal interpretación de su actor fetiche Joaquin Phoenix, que está perfecto y que ofrece uno de sus mejores trabajos, al igual que una sorprendente Gwyneth Paltrow.

Two lovers, en definitiva, se revela como una conmovedora historia, una película hermosa llena de verdad y que inevitablemente deja una sensación de tristeza.

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La directora británica Andrea Arnold se adentra con un duro drama en la vida de una adolescente que lucha por escapar del mundo que le rodea, y lo hace con un brillante ejercicio que sigue la estela del mejor cine británico social marcado por las figuras de Mike Leigh (Secretos y mentiras) o Ken Loach (Sweet sixteen).

Fish tank sigue los pasos de Mia, una joven conflictiva e inadaptada de 15 años que usa el baile como válvula de escape y que ve como la llegada de la última pareja de su madre acaba por romper su lucha adolescente hacia el camino de la madurez.

Con grandes dosis de realismo, y siempre desde el punto de vista de la adolescente, Arnold utiliza la cercanía al personaje, omnipresente en prácticamente todo el metraje, para transmitir sus emociones y sus conflictos haciendo al espectador cómplice de sus sentimientos, para ello se agarra a un montaje rápido, una fotografía fría y realista, y a un rodaje cámara al hombro que funciona como metáfora de lo que siente la protagonista.

Todo el peso del film lo lleva con éxito la debutante Katie Jarvis, con un trabajo notable lleno de espontaneidad y fuerza, y junto a ella aparecen Kierston Wareing (En un mundo libre) y Michael Fassbender (Malditos bastardos) en un reparto más que creíble, que hace de Fish tank una película sincera y atrevida,  un duro y amargo retrato social, a la vez que un muestrario de pistas de lo que puede ser el mundo adolescente, al que si hay que poner alguna objeción es quizás un metraje un tanto estirado.

Fish tank  consiguió el año pasado el Bafta a la mejor película británica del año, así como el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.

Natasha Yarovenko está de estreno. Esta ucraniana de 29 años licenciada en Filología rusa e inglesa ha entrado en el cine español de la mano de Julio Médem en ‘Habitación en Roma’. En la película, co protagonizada por Elena Anaya, interpreta a chica rusa que conoce a otra mujer y que pasa la primera noche de verano con ella y donde están muy presentes el sexo, el amor y el alma.

Por Kike Aganzo

EstaNocheGay.com ha compartido suite en el hotel Petit Palace Alcalá Torre de Madrid con la actriz. Bienvenidos a la Suite de Natasha Yarovenko.

Pregunta.  ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Julio Médem?

Respuesta. Fue una experiencia fantástica. Ha sido muy enriquecedor, no solo a nivel profesional sino también personal. Ser actriz es como una terapia, soltar estas cosas desde dentro va muy bien.

He estado en muy buenas manos, trabajar con Julio ha sido un sueño. Desde el mismo cásting me dijeron que yo sería una de las protagonistas.

P. Tu entrada en el cine fue un poco por casualidad, ¿no?

R. Sí, yo trabajé de modelo pero muy poco. Me gustaba, pero no me enriquecía. Salí en un reportaje para El País Semanal con la diseñadora Lydia Delgado. En él se publicó también una pequeña entrevista mía donde hablaba un poco de mí y una directora de cásting llamó diciendo que buscaba una chica del Este para protagonizar su tv-movie.

Desde pequeña siempre he hecho teatro, ballet y canto. Pero nunca me había planteado estar delante de las cámaras, me considero una persona muy pudorosa. Pero ahora me siento muy libre en esta profesión, me encanta el momento en el que dicen “Acción”.

P. ¿Cómo has llevado el tema de rodar desnuda casi toda la película siendo tan pudorosa?

R. Cuando leí el guión, me asusté bastante. Pero sabiendo que era Julio Médem no esperaba que fuera una cosa muy explícita. Luego, Julio me explicó momento a momento la película y cómo iban a ser rodadas las escenas. Poco a poco me hundía en el universo Médem donde todo tiene sentido, nada es gratuito.

Cada viento, cada movimiento de cortina, las sombras… Cada cosa tenía un sentido mucho más profundo.

P. Desnudas y solas…

R. Sí, me acojonaba más que sólo fuéramos dos personajes para atraer al espectador durante hora y cuarenta. Era un reto. Pero me parecía más reto aún tener que hacerlo sin ropa.

En esta película la desnudez del alma es mucho más grande que la desnudez física. Os enseñamos más del corazón que de nuestros cuerpos.

P. ¿Cómo ha sido interpretar a una lesbiana?

R. No ha sido un personaje fácil, sobre todo porque siempre está expuesto en la película. Estuve muy feliz, quiero muchísimo a mi personaje. Si un día estoy triste, me acuerdo de ella.

En este caso, el hecho de que era una historia lésbica de dos mujeres facilitaba el rodaje. Me sentía con una compañera que estaba en la misma situación que yo, o sea, con la misma ropa.

P. ¿Qué les dirías a la gente que no se puede creer que haya una relación de amor entre dos mujeres?

R. Espero que viendo está película, se den cuentan de que el sexo no importan. Que sientan, se dejen llevar por la película. Ir sin prejuicios y que sintiendo como lo viven las protagonistas, se darían cuenta de que es muy grande el amor.

Nadie está a salvo de que mañana te pase una historia como la de la película. Y, si te pasa, tienes que sentirte muy feliz y afortunado.

P. ¿Crees que todavía existen riesgos de que te encasillen en el papel de lesbiana?

R. No es mi primer papel como lesbiana. Hice una película de bajo presupuesto que se llamaba ‘Jóvenes’ que ha tenido mucho éxito en Cataluña. Pero no creo que esto ocurra, la gente cada vez es más abierta.

P. ¿Qué personajes te gustaría interpretar?

R. No lo sé realmente, sé que no quiero hacer cosas que ya se haya hecho. Me gustaría aportar cosas a este mundo de arte y cine. Hacer papeles muy distintos y complejos, que tengan un conflicto muy fuerte.

P. ¿Cómo es tu vida aquí en España?

R. Me encanta, me encanta la vida de barrio. Vivo entre Barcelona y Madrid y me encanta combinar la vida entre las dos ciudades. De Barcelona me encanta el mar, soy de Odessa (Ucrania) y tiene mucho en común con Barcelona.

De Madrid me encanta la vida de barrio. En la capital tengo una lista de amigos enorme para salir y divertirme. Aunque también vida de trabajo. Es una ciudad donde hay mucha ilusión. En Madrid, de cada trabajo me llevo unos cuantos amigos.

‘Habitación en Roma’, dirigida por Julio Médem, se estrena el 7 de mayo en los cines españoles

Fotografías: Kike Aganzo

Edición: Joserra Villar /  Giovanni M.B.

Estilismo: Yamil Montagne

Peluquería y maquillaje: Innovación Estética

Agradecimientos: Hotel Petit Alcalá Torre de Madrid

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Después del revés de público y crítica de su último trabajo (Caótica Ana), no deja de sorprender que el donostiarra Julio Medem en su octavo trabajo cinematográfico, y por primera vez en su filmografía, parta de una idea ajena, aunque una vez visto el resultado, poco queda en Habitación en Roma del film chileno En la cama, únicamente comparten la idea de dos personas desconocidas que pasan una noche juntas.

Partiendo de ese punto, Medem ha desarrollado una historia diferente, arriesgada e intimista donde dos mujeres, una rusa y una española, pasan juntas la noche más corta del año en Roma, y lo que apuntaba a ser un tórrido film de amor lésbico se convierte en una profunda y sincera historia de amor.

La propuesta no deja de ser por lo menos complicada, toda la acción transcurre durante una noche en un único escenario y con los personajes atrapados en él prácticamente solos, pero es ahí donde el director de títulos como Lucia y el sexo vuelve a demostrar su gran talento como realizador con unas imágenes perfectamente rodadas, y es que la planificación y los movimientos de cámara son fundamentales para que el espectador se adentre en las historias y secretos (y mentiras) de las protagonistas transmitiendo perfectamente lo que sienten, si a eso se le suma un estupendo trabajo de fotografía de Alex Catalán, y el buen trabajo de las actrices Elena Anaya y Natasha  Yarovenko, auténticos pilares de la historia, el resultado final funciona, y si no es más redondo es porque a la trama le falta ser un poco más consistente y el ritmo de la historia decae en ocasiones creando vacíos, imposibles de ocultar con las reiterativas incursiones musicales que adornan el metraje o con episodios poéticas marca de la casa (como Cupido y sus flechas).

Aún así Habitación en Roma se disfruta, por la gran historia de amor que encierra y por la sensación, un tanto adornada, de que se parece a un amor verdadero e imposible.

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El fenómeno Moccia llega al cine de la mano del propio Federico Moccia, y es que el autor italiano, con apenas cuatro obras literarias, se ha convertido en un habitual de las listas de ventas, y en consecuencia, las adaptaciones de sus novelas en un éxito de la taquilla italiana.

Con dos años de retraso desde su filmación, y coincidiendo con el boom de sus libros en España, se estrena Perdona si te llamo amor, la adaptación de su tercera novela que él mismo se ha encargado de llevar a la gran pantalla.

La historia no suena muy original, un publicista de éxito cercano a los cuarenta recién salido de una relación conoce casualmente a una joven veinte años más joven etc., etc.…

Moccia, que ha trabajado sobre todo en el mundo televisivo antes de su éxito literario, sabe sacar partido a su novela haciendo una adaptación muy fiel de la misma sólo apta para incondicionales del género, donde las sorpresas brillan por su ausencia y la falta de pretensiones pesa a lo largo de un metraje que se mueve a ratos entre la comedia amable, pero que también cuenta con muchas escenas de relleno, como las continuas incursiones musicales o la figura de un narrador que aparece y desaparece sin explicación, que vienen a completar un catálogo de tópicos amorosos sin demasiada profundidad

Quizás lo mejor de la propuesta sea el esforzado trabajo del actor Raoul Bova (Bajo el sol de la Toscana), muy por encima de la media del reparto, y sobre todo de la debutante Michela Quattrociocche, con quien comparte protagonismo.

Perdona si te llamo amor no va a engañar a nadie, o te encanta o te olvidas de ella cinco minutos después de verla, para los primeros ya pueden encontrar la segunda parte en las librerías, y seguramente en unos meses de nuevo en los cines. El título no es ninguna sorpresa: Perdona pero quiero casarme contigo.

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Después de un paseo triunfal por festivales que van desde Sundance a Huelva, y seguramente gracias al éxito y los premios cosechados, se ha estrenado por fin la película chilena La nana, una inteligente y estimulante propuesta que sirve como ejemplo para demostrar que con pocos recursos y una historia sencilla se pueden hacer grandes películas.

La nana se adentra en el mundo de Raquel, una mujer que lleva trabajando más de veinte años como nana para una familia de clase alta, una mujer encerrada en sí misma cuya vida gira en torno a la casa donde trabaja, y que ve como todo puede cambiar cuando su patrona decide contratar a otra chica para que le ayude.

El cineasta Sebastián Silva, que también firma el guión junto a Pedro Peirano, construye prácticamente todo el relato en torno a la casa familiar, creando una sensación un tanto claustrofóbica que funciona en un guión sencillo y muy bien construido, que permite conocer a la perfección a los personajes de la historia y que atrapa al espectador a través de un humor incómodo y la incertidumbre por la resolución de los conflictos.

Silva no sólo demuestra su talento como realizador o guionista, también se revela como un gran director de actores en un reparto que funciona a la perfección encabezado por la gran Catalina Saavedra, que realiza un trabajo impactante lleno de matices, y que hacen de La nana una gran película y una estupenda oportunidad para conocer un tipo de cine que no tiene fácil ser estrenado fuera de sus fronteras aunque calidad no le sobre.